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Más allá de la imagen: Cómo los fotógrafos españoles Albarrán Cabrera crean experiencias con fotos a través de las fotografías

"The Mouth of Krishna" series Pigments, Japanese paper and gold leaf. 2013

Serie “La boca de Krishna”. Fotografía, papel japonés y pan de oro, 2013.

Para los fotógrafos españoles Anna P. Cabrera y Ángel Albarrán, el tiempo, los recuerdos y la belleza constituyen los tres pilares principales de sus propuestas profesional y emocional hacia el arte.

Las audaces piezas de la pareja, que firman como “Albarrán Cabrera”, se destacan en la competitiva arena de la fotografía actual por la utilización de una amplia gama de procesos y materiales, como platino, paladio, cianotipia e impresión de plata sobre gelatina. También han desarrollado procesos en los que incorporan el papel japonés gampi y pan de oro en sus fotografías.

“Todo esto cumple un único fin: queremos tener muchos más parámetros para jugar con la experiencia del observador que solo contar con la imagen”, afirmaron. “La textura, el color, el acabado, los tonos e incluso el borde de una fotografía puede ofrecer información adicional al observador”.

Albarrán y Cabrera han exhibido sus obras en Estados Unidos, España, Japón, Suiza, Países Bajos, Líbano e Italia, entre otros países. La más reciente exhibición, “Sutiles sombras de bambú sobre bambú”, terminó el 10 de marzo de 2019 en Amberes, Bélgica. En abril de 2019 exhiben fotografías de Albarrán y Cabrera en el evento de AIPAD, en Nueva York, organizado por IBasho Gallery, y también en Art Paris organizado por Esther Woerdehoff Gallery.

En una entrevista con Global Voices, Albarrán (nacido en 1969 en Barcelona) y Cabrera (nacida en 1969 en Sevilla) hablaron sobre los procesos de su trabajo, cómo ver la vida y los secretos de trabajar juntos como pareja.

Omid Memarian: Los conceptos de recuerdo e identidad figuran notablemente en su fotografía. ¿Cuál es la conexión personal que tienen con estos temas y cómo los reflejan en su trabajo?

Anna: Todo lo que somos constituye un recuerdo. Cuando lidias con algo relacionado con la ciencia, recurres a lo que descubren los científicos para entender el mundo. En lo que respecta a identidad, eres quien eres por tus recuerdos. Eres tu primer cumpleaños, los recuerdos de tu madre, los recuerdos de tus días como estudiante. Eres todo esto. Hasta cómo conceptualizamos el tiempo para entender la realidad se basa en el recuerdo. Esto se evidencia más con las personas que sufren de pérdida de memoria. Para ellas, el tiempo no existe.

Serie “La boca de Krishna”. Fotografía, papel japonés y pan de oro, 2016.

Albergamos la esperanza de que nuestras fotografías generen asociaciones subconscientes en los observadores basadas en sus recuerdos. Incluso, preferimos que las interpreten de una manera totalmente diferente a lo que imaginamos en un principio. Así, crearán un nuevo conjunto de ideas para ellos.

El recuerdo es el hilo que entrelaza a todas nuestras series. “La boca de Krishna” es el corazón. Es el resultado de todo nuestro aprendizaje hasta al momento. Se relaciona con la manera en que nuestros recuerdos mantienen nuestra realidad coherente, cómo clasificamos lo que percibimos y cómo lo conectamos.

En ocasiones, nos percatamos de que algunos conceptos tienen mayor relevancia y esto genera un nuevo portafolio. Por lo tanto, “Aquí estás tú” estudia el concepto de la identidad y cómo se crea tomando como base nuestros recuerdos.

“Kairos” se centra en la idea de cómo los humanos perciben el tiempo. No es algo tangible, simplemente es una propiedad del universo. Creamos el concepto del tiempo con la ayuda de nuestros recuerdos y lo dividimos en pasado, presente y futuro.

"The Mouth of Krishna" series Pigments, Japanese paper and gold leaf. 2016

Serie “La boca de Krishna”. Fotografía, papel japones y pan de oro. 2016

OM: Estuvieron en Japón bastante tiempo. ¿Cómo esta geografía en particular se conecta con su visión del arte y la cultura?

Ángel: La cultura japonesa es muy importante para nosotros y nuestro trabajo. Esta cultura, como muchas otras, está sujeta a muchos estereotipos y enormes confusiones. Al principio, puedes caer en la trampa de su estética y filosofía. Pero una vez que estudias el lenguaje, su pueblo e historia, descubres la realidad sobre este país: las cosas buenas, malas y horribles que cualquier otro país tiene. Sin embargo, aún existe algo fascinante: Japón nos ofrece una interpretación de la realidad completamente diferente comparada con nuestra noción occidental. Todos vivimos en un mismo mundo, pero se puede interpretar desde muchos puntos de vista totalmente diferentes.

El mundo occidental está obsesionado con la simetría y la perfección. Entendemos que la belleza se rige por leyes universales, que otorgan una mayor relevancia a lo que es perfecto y eterno. La estética japonesa, no obstante, es muy diferente. Ellos perciben belleza en lo efímero, lo imperfecto, lo rústico y lo melancólico. Anhelan lo que no es eterno, lo ligeramente roto, modesto y frágil.

OM: El aspecto estético de su trabajo es muy audaz. En un mundo en el que las representaciones clásicas de la belleza han sido ignoradas, ¿cómo ha recibido el mundo del arte su obra?

Anna: La belleza es un tema muy complejo. No solo es difícil definir qué es, sino también abordarla. La belleza es algo que inquieta mucho a las personas serias. Temen que la belleza les hará olvidar cómo es la vida en realidad. Pero en palabras del filósofo Alain de Botton: “Necesitamos cosas lindas a nuestro alrededor, no porque estemos en peligro de olvidar las cosas malas, sino porque los terribles problemas nos influyen grandemente, que estamos en riesgo de caer en la desesperación y la depresión… El arte que un país o una persona llama “bello” te da pistas vitales de lo que hace falta”.

Nosotros no buscamos de manera consciente la belleza en nuestro trabajo. Exploramos a través del misterio de lo desconocido para experimentar con la belleza de descubrir.

Serie “La boca de Krishna”. Fotografía, papel japonés y pan de oro, 2016.

OM: Ustedes han fotografiado a la naturaleza en Europa y Japón. ¿Qué diferencias perciben en estas dos series de obras?

Ángel: Como occidentales, nos sorprende y maravilla la interpretación estética y filosófica que Oriente ha desarrollado sobre el mundo. Aparenta ser muy diferente a la nuestra, aunque las escuelas de pensamiento occidental y oriental tuvieron un origen simultáneo. Al examinar a los pensadores griegos presocráticos de la escuela de Mileto, encontramos en su línea de pensamiento una motivación común con la cultura oriental: la naturaleza.

El pensamiento oriental, incluso de manera más específica, el pensamiento japonés no ha perdido este contacto ancestral con la naturaleza, y lo ha conservado a través de la evolución de su cultura. Los principios y conceptos de la estética japonesa son influenciados principalmente por la religión. Tanto en el sintoísmo como en el budismo, los dioses no son los creadores de la naturaleza, esta es una entidad individual. En nuestra tradición occidental, el concepto judeocristiano de un creador o Dios rompió este vínculo y nos separó de los principios estéticos tradicionales de la Grecia Antigua. El significado de las expresiones Wabi-sabi, Miyabi, Shibui o Yuugen existieron originalmente en nuestra cultura occidental, mas no evolucionaron como en el caso japonés. Nos alegra el hecho de que esta raíz común esté presente en nuestro trabajo: a menudo los observadores no pueden diferenciar entre las imágenes que tomamos en Japón y las que tomamos en otros lugares.

"The Mouth of Krishna" series. Pigments, Japanese paper and gold leaf. 2018

Serie “La boca de Krishna”. Fotografía, papel japonés y pan de oro. 2018

OM: ¿Cuáles son los elementos principales que influencian su trabajo y la forma en que observan al ambiente y los objetos?

Ángel: Diferentes tipos de artistas que pertenecen a disciplinas diferentes, como los fotógrafos, pintores, escritores y científicos siempre han tenido una fuerte influencia en nosotros. Lo que da forma a nuestra visión de la realidad es el conocimiento que proviene de la literatura, filosofía, ciencia, lingüística, arquitectura, música y las artes en general. El aprendizaje estimula nuestro trabajo. La fotografía nos ayuda a entender nuestra realidad. Para nosotros, las fotografías son como notas visuales en un cuaderno. Tomamos estas notas visuales con un estado mental específico y reflejan nuestra estructura mental hacia la realidad. Poco a poco con el tiempo, revisamos nuestro trabajo y esto nos brinda nuevas ideas y perspectivas, de la misma manera que procederías con un cuaderno o un diario.

 Anna P. Cabrera and Angel Albarrán. Curtesy of the artists.

Anna P. Cabrera y Angel Albarrán. Cortesía de los artistas.

OM: ¿Cuáles son los conceptos o temas similares que hacen que su audiencia de diferentes continentes se interese en seguir y disfrutar sus trabajos?

Anna: Los seres humanos utilizan su sistema sensorial para trascender del mundo físico hacia el reino mental. Interpretamos la información que recibimos y, por lo tanto, creamos nuestra percepción del mundo que nos rodea. El espacio y el tiempo en realidad son conceptos creados por los seres humanos para entender nuestra propia realidad. Trabajamos con temas y conceptos que son universales, que son comunes para la mayoría de los seres humanos sin importar su origen, cultura o religión.

OM: El arte es extremadamente personal y podemos observar que ambas firmas aparecen en sus obras. ¿De que manera su trabajo representa sus visiones y características personales? ¿Cómo es su proceso colaborativo?

Ángel: No podemos vernos trabajar separadamente del otro. Vivimos juntos y tenemos intereses en común. Trabajamos individualmente cada vez que salimos a tomar fotografías. Es decir, cada uno toma su propia cámara y trabaja de manera independiente del otro. Nos dirigimos juntos hacia la ubicación con nuestro equipo, pero cada uno se concentra en un lugar y trabaja aisladamente. Cuando regresamos a casa, nuestras imágenes se mezclan y trabajamos en el cuarto oscuro o con la computadora sin pensar quién tomó la fotografía en realidad.

Anna: No encontramos ningún punto negativo de trabajar en colaboración. Es más, no podemos ver que el otro trabaje individualmente. Desde el punto de vista logístico, la manera en que trabajamos es más conveniente. Dado que los dos somos fotógrafos, capturamos más imágenes desde diferentes ángulos en la misma cantidad de tiempo que le tomaría realizarlo a una sola persona. Si alguno tiene un problema con la cámara, el otro puede ayudar. Si alguno se siente bloqueado, podemos hablarlo, de ese modo podemos enfocarnos de nuevo. Estas son algunas ventajas que puedo mencionar al respecto.

El proceso creativo es altamente estresante. Los creadores tienen que tomar decisiones acerca de todo, todo el tiempo. Y como bien sabemos, nadie tiene la respuesta correcta para todo. Como creador, no tienes a nadie a quien acudir para obtener ayuda.

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