Retrato del artista Alexis Peskine. Foto tomada por Thomas Babeau, utilizada con autorización.

Alexis Peskine es un artista visionario cuyo trabajo fusiona sin fisuras la materialidad y la metáfora, e invoca a la vez la gracia de la estética y una profunda relevancia cultural. La particular técnica de Peskine, que utiliza clavos martillados en superficies de madera, crea un diálogo táctil entre la construcción y la destrucción.

Sus obras, que con frecuencia exploran las complexidades de la identidad afrodescendiente, personifican una intersección cruda pero a la vez armoniosa de espiritualidad, memoria histórica y conciencia colectiva. El arte de Peskine trasciende los confines del retrato, y en su lugar ofrece un lenguaje visual que le habla a la espiritualidad colectiva, y captura los matices de la fuerza, la vulnerabilidad y la transformación.

Peskine nació en 1979 en París en el seno de una familia adinerada y con influencias artísticas y culturales, y su identidad de está modelada por su ascendiente afrobrasileño y sus raíces francesas y lituanas. Su padre era arquitecto, y su abuelo materno era carpintero oriundo de la isla de Itaparica del estado brasileño de Bahía, crio a su hija en Salvador, Bahia. Todo eso le inculcó una profunda apreciación por lo artesanal, mientras que el linaje afrobrasileño de su madre lo conectó con las prácticas espirituales y los legados culturales de los africana que viven fuera del continente.

Peskine creció en un hogar en Issy-les-Moulineaux, ciudad ubicada en el sudoeste de París que venera el arte, y se fue incentivado a desarrollar su voz creativa, a dibujar sobre las historias y las experiencias de su ascendencia. Entonces, su obra no es solo una búsqueda estética, es también una exploración continua de justicia, sanación y despertar espiritual.

Alexis Peskine y su asistente trabajan con clavos de cabeza dorada. October Gallery. Foto de Jonathan Greet.

La educación formal de Peskine en Howard University y en el Escuela de Arte del Instituto Maryland (MICA) en Estados Unidos, sirvieron como base para el dominio técnico. Pero su visión artística se expandió más allá de las aulas. Actualmente vive en París, y continúa evolucionando como una presencia dinámica en el escenario del arte mundial. Su reciente exhibición individual «Forest Figures» en la October Gallery en London (del 3 de octubre al 9 de noviembre de 2024) marcó un momento significativo en su carrera, y mostró una colección que combina una introspección espiritual con una exploración radical de la forma.

En una entrevista con Global Voices, Peskine profundiza sobre la evolución de su práctica, la influencia de su familia y de su historia cultural, y el cambio del centro de atención en su trabajo reciente, de estar cargado políticamente a ser resonante en lo espiritual. A través de su trabajo, Peskine ofrece un lenguaje visual intenso que busca representar y también sanar, de ser un puente entre el mundo material y el inmaterial con cada clavo.

A continuación, extractos de la entrevista.

Alexis Peskine, «Power», 2017. Hojas de oro luna en clavos, tierra, café, agua y acrílico en madera. 195 x 250 cm (76 x 98 in). ©Alexis Peskine. Colección de Majed Halawi. Foto cortesía del artista y de October Gallery.

Omid Memarian (OM): Habitualmente, su trabajo incorpora clavos martillados en superficies de madera. ¿Nos puede explicar el proceso técnico detrás de esta técnica y cómo la ha desarrollado a través del tiempo?

Alexis Peskine (AP): I first considered using nails at Howard University. My mixed media teacher, Professor Sorrels Adewale, encouraged us to think about materials as metaphors. My work has always centered on the Afro-descendant experience, influenced by my upbringing in France, Afro-Brazilian heritage, and time spent in various Black American cities and 33 African countries.

Initially drawn to silkscreen printmaking, I experimented with dot patterns to explore the historical significance of our people. My interest in nails grew after learning about the Minkisi Nkondi power figures from the Congo, sculptures adorned with nails. This concept of destruction and creation resonated with me. When I arrived at the Maryland Institute College of Art (MICA), I was inspired by a wooden board left behind by the previous occupant and began using nails in 2004.

My process starts with a photograph, which I translate into dot patterns using computer software, mimicking the values of gray through dots of different sizes. I reverse the typical process by using a black silhouette with white dots to represent light areas, creating portraits illuminated by natural sunlight.

Alexis Peskine (AP): La primera vez que consideré utilizar clavos fue en la Universidad Howard. Sorrels Adewale Sorrels Adewale, mi profesor de técnicas mixtas, me alentó a pensar en los materiales como metáforas. Mi trabajo siempre se ha centrado en la experiencia afrodescendiente, influido por mi educación en Francia, mi herencia afrobrasilera, y el tiempo que he pasado en distintas ciudades de afroamericanos así como en 33 países africanos.

Inicialmente, dibujado para serigrafía, experimenté con patrones de puntos para explorar el significado histórico de nuestra gente. Mi interés en los clavos creció luego de aprender sobre los amuletos mágicos tallados como seres humanos (power figures) del Congo de Minkisi Nkondi, que son esculturas adornadas con clavos. Ese concepto de destrucción y creación resonó en mí. Cuando llegué al Maryland Institute College of Art (MICA) encontré inspiración en un tablero de madera que dejó el ocupante anterior, y comencé a utilizar clavos en 2004.

Mi proceso comienza con una fotografía, que transformo en un patrón de puntos utilizando un programa de computación; imito la luminosidad del gris utilizando puntos de distintos tamaños. Invierto el proceso típico utilizando una silueta negra con puntos blancos para representar las zonas claras, creando retratos iluminados por la luz natural del sol.

Alexis Peskine, «Moto wa Uhanini» 2020. Hojas de oro naranja, clavos, Havana Ochre, cúrcuma, tierra e hibisco blanco en corazón de madera. 122 x 122 cm (48 ×48 in). Foto cortesía del arista..

OM: ¿Cómo influyeron su niñez y su crianza en los temas y las técnicas que hoy explora en su arte?

AP: My father is French and Lithuanian, while my mother is Afro-Brazilian. My grandfather, born in St. Petersburg, Russia, survived a concentration camp in France. These experiences, along with my Brazilian roots, shaped my values. I grew up in a family of artists and creators: my great-grandmother worked in a hardware store, my grandfather was a carpenter, and my father is an architect. My artistic inclinations were encouraged from a young age.

These influences instilled a deep sense of justice and fairness in me, which I channel into my work. It’s made me sensitive to the world around me, shaping how I express my thoughts through art.

AP: Mi padre es francés y lituano, mientras que mi madre es afrobrasileña. Mi abuelo, nacido en San Petersburgo, Rusia, sobrevivió a un campo de concentración en Francia. Esas experiencias, junto a mis raíces brasileñas, moldearon mis valores. Crecí en una familia de artistas y creadores: mi bisabuela trabajaba en una ferretería, mi abuelo era carpintero y mi padre es arquitecto. Mis inclinaciones artísticas fueron estimuladas desde temprana edad.

Esas influencias inculcaron un profundo sentido de justicia y equidad en mí, que canalizo en mi trabajo. Me hizo más sensible al mundo que me rodea, modela cómo expreso mis pensamientos a través del arte.

Alexis Peskine, «Orí» 2024. Albahaca, pigmento verde Vessie, pintura laca, hojas de oro limón y clavos, en madera. 175 x 154 x 9 cm (69 × 60 in). (AP126) Foto cortesía de October Gallery.

OM: Al observar su arte, la primera experiencia es de belleza y armonía. ¿Cómo resuena en su público la complejidad de estos conceptos?

AP: My goal is to represent both softness and strength, sensibility and abundance — qualities that reflect our people. The power in my work isn’t about domination; it’s a softer, more nuanced form — an aura rather than an aggressive force. This resonates with viewers because it reflects the spirit of those portrayed, not just portraits of individuals but representations of a collective soul. The subjects give their energy to the work, which connects with the viewers.

AP: Mi objetivo es representar la suavidad y la fuerza, la sensibilidad y la abundancia, cualidades que reflejan nuestra gente. El poder de mi trabajo no tiene que ver con la dominación. Es una forma más suave y matizada; un aura, más que una fuerza agresiva. Esto resuena en el público porque refleja el espíritu de los retratados: no son retratos de personas, sino representaciones del alma colectiva. Los temas dan energía a la obra, y eso es lo que conecta con la audiencia.

Alexis Peskine, «Akutjhe» (Let it Burn), 2020. Hojas de oro, clavos, arcilla, hibiscus y café, en corazón de madera. 150 x 150 cm (59 1/10 × 59 1/10 in). Foto cortesía del artista.

OM: Usted aborda temas sociales y políticos complejos. ¿Cómo equilibra la precisión técnica de sus obras con los mensajes emocionales y políticos que expresan?

AP: My early work was intellectual and political, but in the last decade, my focus shifted toward art's spiritual and energetic aspects. While politics affects us all, I believe my recent work transcends immediate issues. It connects to something timeless, aiming for balance, harmony, and peace. What viewers feel from the work goes beyond politics and reaches into a deeper, more universal realm of experience.

AP: Mis primeros trabajos eran intelectuales y políticos, pero en la última década mi atención cambió hacia los aspectos espirituales y energéticos del arte. Si bien la política nos afecta a todos, creo que mi trabajo reciente trasciende los problemas inmediatos. Conecta con algo atemporal, apunta al equilibrio, la armonía y la paz. Lo que el público siente ante mi trabajo va más allá de la política y llega a un terreno de experiencias profundas y universales.

Alexis Peskine, «Safara» (Fire/Hell), 2020. Hojas de oro, clavos, café y tierra, en corazón de madera. 150 × 110 × 10 cm (59 1/10 × 43 3/10 × 3 9/10 in). Foto cortesía de October Gallery.

OM: ¿Me puede decir qué artistas o movimientos han tenido la influencia más significativa en su trabajo?

AP: My first influence was my family. My parents encouraged my artistic pursuits, and my aunt, who ran an industrial design company, gave me a strong design foundation. At Howard, I was introduced to figures like Aaron Douglas, Jacob Lawrence and writers like Toni Morrison. The Negritude movement deeply resonated with me. I realized I wasn’t alone in my journey as an Afro-descendant artist.

Artists like Basquiat, Kara Walker, Hank Willis Thomas, and my friends — Zak Ové, Fahamu Pécou, and Zana Masombuka — have influenced me. Conversations and exhibitions with them have shaped my perspective. My brothers, who are involved in music and film, have also been a major influence. We critique one another's work, pushing each other to grow.

AP: La primera influencia fue mi familia. Mis padres alentaron mis búsquedas artísticas y mi tía, que tenía una compañía de diseño industrial, me dio una sólida base de diseño. En la Universidad Howard conocí figuras como Aaron Douglas, Jacob Lawrence, y a escritores como Toni Morrison. The Negritude movement resonó profundamente en mí; me di cuenta de que no estaba solo en mi camino como artista afrodescendiente.

Artistas como Basquiat, Kara Walker, Hank Willis Thomas y mis amigos Zak Ové, Fahamu Pécou y Zana Masombuka también han sido una influencia. Las conversaciones y exhibiciones con ellos moldearon mi perspectiva. Mis hermanos, involucrados en la música y en el cine, también han sido una gran influencia. Nos criticamos entre nosotros, nos empujamos a crecer.

OM: Creo que las escuelas de arte en Estados Unidos tienden a ser un poco condescendientes cuando critican obras.

AP: At Howard and MICA, critiques were harsh, even from classmates who didn’t always understand the references in my work. This helped me learn to accept feedback, discern its value, and understand that critique is part of growth as an artist.

AP: En Howard y MICA, las críticas eran duras, incluso las de compañeros que no siempre entendían las referencias de mis trabajos. Esto me ayudó a aprender a aceptar los comentarios, a discernir su valor y a comprender que la crítica es parte del crecimiento como artista.

Alexis Peskine, «Aljana Moons IV», 2015. Edición prueba del artista 5 más 1. Impresión de pigmento calidad museo en papel fotográfico Hahnemühle de 308 gramos montado en Dibond. 82.5 x 154 cm (32.4 × 60 in). (AP022). Foto cortesía de October Gallery.

OM: ¿Cómo decide qué temas representar en sus obras? Si es un retrato, ¿cómo elige los modelos? ¿Qué impulsa la elección de una técnica, o prefiere la escultura?

AP: My studio is small, so I take a different approach from artists who work nonstop. Instead, I walk and let my spirit guide me, absorbing ideas and making mental notes. I create bodies of work rather than individual pieces, expressing my feelings at specific points in my life.

For example, “Forest Figures” came after my residency in rural Cameroon, where I faced a life-threatening experience. This event sparked a need for peace and healing. The work evolved from the more political “Fire Figures,” which reflected my feelings of revolt during the George Floyd protests, to the more spiritual “Forest Figures,” which explore healing and reconnection with nature.

AP: Mi estudio es pequeño, por lo tanto mi estrategia es distinta a la de los artistas que trabajan sin cesar. Entonces, yo camino y dejo que mi espíritu me guíe, absorbo ideas y tomo notas mentales. Creo grupos de trabajos en lugar de piezas individuales y expreso mis sentimientos en momentos específicos de mi vida.

Por ejemplo, «Forest Figures» fue creada después de que viví en una zona rural de Camerún, donde tuve una experiencia que puso en peligro mi vida. Ese hecho disparó una necesidad de paz y sanación. Mi trabajo evolucionó desde lo más político en «Fire Figures«, en el que reflejo mi sentir de rebelión durante las protestas por George Floyd, a algo más espiritual en «Forest Figures», en el que exploro la sanación y la reconexión con la naturaleza.

Izquierda: Alexis Peskine, «Kékéréké», 2024. Pintura blanca y negra, barniz calidad museo, hojas de oro 24 k y clavos, en madera. 150 x 110 cm (59 1/10 × 43 3/10 in). Derecha: «Séetal», 2024. Pintura blanca y negra, barniz calidad museo, hojas de oro 24 k y clavos, en madera. 150 × 110 cm (59 1/10 × 43 3/10 in). Foto cortesía de October Gallery.

OM: El mundo del arte se ha complicado con ferias, galerías exhibiciones y dinero involucrado. ¿Cuál es su consejo para los artistas nuevos que buscan encontrar su voz en el mundo del arte contemporáneo?

AP: Always look inward and pay attention to how you feel and what you want to express. Don’t hesitate to explore what you love and understand yourself. Early on, I wanted to develop my own visual language, and I admired artists who created distinct, resonating works.

Create with purity — don’t focus on commercial concerns while you’re making art. Once your work is done, find ways to make it visible. Social media today makes it easier than ever to share your art worldwide, reaching people who will connect with your expression.

AP: Siempre busquen en su interior, presten atención a cómo se sienten y a qué quieren expresar. No duden en explorar aquello que aman y entiéndanse a ustedes mismos. Desde el principio quise desarrollar mi propio lenguaje visual y admiraba a los artistas que crearon trabajos distintos y resonantes.

Hay que crear con pureza, no hay que enfocarse en las preocupacioines comerciales mientras se crea arte. Una vez que el trabajo está finalizado, hay que buscar las formas de hacerlo visible. Hoy en día las redes sociales hacen más fácil difundir el trabajo a todo el mundo y llegar a personas que se conectarán con lo que están expresando.

Alexis Peskine frente a sus obras en October Gallery en Londres, 2022. Foto de Elisabeth Lalouschek, directora de arte de October Gallery.

While having a gallery is beneficial, as I learned through my experience with October Gallery, it's not the only way. When I started, I walked around with a portfolio, went to galleries and art fairs, and tried to get my work seen. Ultimately, gallery representation helps, but you can create your own path.

Success in art comes down to drive, curiosity, and a willingness to ask questions. Teachers don’t always need to be formally recognized. If you have a mentor, whether in school or outside, appreciate those who help you along the way.

Learning to talk about your work is essential — whether you're in school or not. Being able to articulate your vision is as important as the art itself. If you can’t do it, find someone who can write or talk about it for you.

Si bien contar con una galería es beneficioso, tal como aprendí en mi experiencia con la October Gallery, no es el único camino. Cuando comencé, llevé mi portafolio a galerías y ferias de arte, trataba de que se vierta mi trabajo. En definitiva, la representación de una galería ayuda, pero uno puede crear su propio camino.

El éxito en el arte llega a través de la determinación, la curiosidad y la voluntad de hacer preguntas. Los maestros no siempre necesitan ser reconocidos formalmente. Si tienen un mentor, ya sea en la escuela o fuera, aprecien a quienes los ayudan a lo largo del camino.

Aprender a hablar sobre el trabajo es esencial, tanto si están en la escuela o no. Poder articular la visión es tan importante como el trabajo en sí mismo. Si no lo pueden hacer, encuentren a alguien que pueda hablarlo o escribirlo por ustedes.