Talia Levitt, “50/50”, 2025. Acrílico sobre lienzo, 91,4 × 121,9 × 3,0 cm (36 × 48 × 1,2 in). Fotografía cortesía de la artista.

En su reciente exhibición “24/7”, la artista Talia Levitt, que vive en Nueva York, presenta una reflexión íntima y técnicamente audaz sobre los primeros meses de maternidad. La inspiración surgió en un período en el que la frontera entre la crianza y el trabajo en el estudio se desvaneció; “pintaba en la cama con mi hija”, cuenta. Este conjunto de obras captura una vida atravesada por ritmos superpuestos de urgencia, cansancio, alegría y ternura.

Las obras de Levitt combinan objetos domésticos de una suavidad casi de canción de cuna con un rigor propio de la historia del arte. Chupetes, ropa de bebé y pequeñas cajas de joyas infantiles conviven con frutas, flores y velas trabajadas en capas con la técnica de trompe-l’œil (trampantojo) y patrones que recuerdan a los textiles. A través de recursos materiales cuidadosamente pensados (surcos cuadriculados, pintura aplicada en relieves que imitan el bordado, lentejuelas y detalles en acrílico moldeado), crea memorias visuales que destacan el trabajo, la intimidad y la atención, a la vez que amplían el lenguaje de la naturaleza muerta contemporánea.

Levitt es neoyorquina de cuarta generación, y sus raíces en la ciudad no son un dato menor: atraviesan su sensibilidad y sus proyectos de investigación. En su primera exhibición, “Schmatta” (Uffner Liu, 2023), exploró la historia de la industria de la confección neoyorquina, un legado con el que se conecta por la historia de su familia y por un interés persistente en las tradiciones textiles. Levitt obtuvo la licenciatura en Bellas Artes en la Escuela de Diseño de Rhode Island en 2011, la maestría en Bellas Artes en CUNY Hunter College en 2019 y asistió a la escuela de verano Escuela Skowhegan de Pintura y Escultura ese mismo año. Sus estudios de dibujo, sumada a años de inmersión en la escena del arte contemporáneo de Nueva York, dio forma a su vocabulario híbrido en evolución que combina pintura, oficio e ilusión.

Talia Levitt, «¿Será mi hija una pintora también?», 2025. Acrílico sobre lienzo, 182,9 x 152,4 x 3,0 cm (72 x 60 x 1,2 in). Fotografía cortesía de la artista.

La práctica de Levitt mantiene un diálogo con la naturaleza muerta neerlandesa, los movimientos feministas de patrón y decoración y diversas tradiciones artesanales, mientras formula preguntas contemporáneas sobre la percepción. “Me interesa que el espectador se pregunte: ¿esto es honesto, qué significa la honestidad, esto es real, qué es lo real, qué estoy viendo y cómo lo estoy viendo?”, explica. La obra “24/7” viajará luego a la fundación Fundación de Arte K11 en Shangái, donde ampliará esta conversación hacia nuevos públicos y contextos.

Visualmente exuberantes, contemplativas y narradas desde una base sólida, las pinturas de Levitt encuentran armonía dentro de capas caóticas, donde los objetos cotidianos brillan con una carga simbólica y lo doméstico se vuelve monumental. “La maternidad cambió mi manera de hacer y mi manera de ver”, reflexiona. “Mi hija es mi maestra”.

En una conversación con Global Voices, Levitt habló sobre los cambios emocionales y materiales que desencadenó la maternidad, el equilibrio entre el rigor y el juego en su técnica de trampantojo, la historia democratizadora de la naturaleza muerta y cómo las tareas de cuidado y la vida de estudio se moldean mutuamente en tiempo real.

A continuación, fragmentos de la entrevista.

Talia Levitt, «¡Otra vez!», 2025. Acrílico sobre lienzo, 182,9 x 152,4 x 3 cm (72 x 60 x 1,2 in). Foto cortesía de la artista.

Omid Memarian (OM): Desarrollaste las obras de “24/7” durante los primeros meses de la maternidad, cuando la vida del estudio y la vida doméstica se mezclaban. ¿Cómo crees que esta experiencia tan profunda redefinió de manera permanente tu lenguaje visual?

Talia Levitt (TL): I can’t overstate how profoundly the merging of these worlds, or motherhood as the impetus, has changed the way I make and the way I see. My reference points in terms of imagery have shifted, for example. I have different experiences now to associate with a vast range of symbols. Therefore, changes are made to what is included in the paintings. I consider more deeply who my paintings would be legible to … now that I am watching my daughter learn how to look and discover. She is most drawn to photographic imagery, which serves as a gateway for her to explore illustration and other more abstract images in her books. I get to witness this development firsthand, and it has been truly inspiring.

Because I have created an expectation in my paintings that a variety of different languages will be employed, I can broaden my use of paint and range between realism and abstraction based upon what I’ve been learning through her.

Talia Levitt (TL): Es difícil expresar cuánto transformó mi manera de crear y de ver el simple hecho de que estos mundos se entrelazaran, o la maternidad como motor de ese cambio. Mis referentes visuales, por ejemplo, se modificaron: ahora tengo otras experiencias con las que vincular una mayor variedad de símbolos. En consecuencia, también cambia lo que decido incluir en las pinturas. Pienso con mayor profundidad en quiénes podrán interpretar mis obras… especialmente ahora que veo a mi hija aprender a observar y a descubrir. A ella le atraen sobre todo las imágenes fotográficas, que funcionan como una entrada hacia la ilustración y otras imágenes más abstractas en sus libros. Poder presenciar ese desarrollo tan de cerca ha sido realmente inspirador.

Porque he generado en mis pinturas la expectativa de que convivirán distintos lenguajes, puedo ampliar el uso que hago de la pintura y moverme entre el realismo y la abstracción a partir de lo que he ido aprendiendo a través la pintura.

Talia Levitt, «Mi cuerpo es una montaña, mi cuerpo es sustento», 2025. Acrílico sobre lienzo, 76,2 x 61 x 3 cm (30 x 24 x 1,2 in).

OM: Tu interacción entre la ilusión de trampantojo y los motivos simbólicos (naturaleza muerta neerlandesa frente a objetos contemporáneos de la infancia) desmonta las jerarquías de lo prestigioso y lo cotidiano. ¿Consideras esta reestructuración como un fenómeno circunstancial o como una dirección que redefine tu trabajo a largo plazo?

TL: That’s a really interesting phrasing! I actually don’t think of one vs. the other, but rather the same genre and some similar content happening at two different time periods. Still life, even during the Golden Age of Dutch painting, was considered the lowest genre in the European academic hierarchy. Prints of and even original still-life paintings at the time were relatively affordable and accessible. This history has definitely emboldened me to bring a lot of muscle, academic skill, and some cheekiness to my work and to play with this history as well as to contemporarize motifs that were traditionally associated with trompe l’oeil.

TL: ¡Es un planteamiento interesante! En realidad, no lo pienso como uno contra el otro, sino como el mismo género con contenidos similares en dos periodos. La naturaleza muerta, incluso durante la Edad de Oro de la pintura neerlandesa, se consideraba el género de menor prestigio dentro de la jerarquía académica europea. En aquel entonces, los grabados y hasta las pinturas originales de naturaleza muerta eran relativamente accesibles y económicas. Esta historia, sin duda, me ha dado más libertad para aportar vigor, pericia académica e incluso un toque de picardía a mi obra, y para jugar con esa tradición, a la vez que actualizo motivos que históricamente se asociaban al trampantojo.

La artista Talia Levitt pinta con su recién nacida apoyada en el hombro. Una escena que ofrece un vistazo a la intimidad que hay detrás de “24/7”, conjunto de obras creado en ese desdibujado espacio entre las tareas de cuidado y la práctica de estudio. Foto cortesía de la artista.

OM: ¿Podrías guiarnos por tu proceso paso a paso, desde los surcos cuadriculados hasta los adornos en acrílico moldeado? ¿Cuáles fueron los hitos o descubrimientos que te convencieron de convertir este híbrido de pintura, artesanía y trampantojo en tu método de trabajo principal?

TL: In 2019, while on residency at Skowhegan [in Maine], I was attempting to paint the screen door of my barn studio. I thought, ‘There has to be a better way of realistically rendering this screen than to paint every tiny line of a grid.” So I took my ruler and a utility knife and began scraping it out of the painting of the door behind the screen. What I discovered was that I could use the paint or absence of paint to represent something extremely convincingly, while also creating the exact physical texture and behavior of the thing I was representing in reality. This opened up a door (pun intended!) to experimenting with and thinking about paint and trompe l’oeil as a genre in ways I had never considered before.

Step by step – first, imagery is painted directly onto the canvas with brushes. Then a grid is scored into the surface with a utility knife and ruler, and sealed with gloss medium. Then ‘stitching’ is piped out of sandwich bags, and lastly, the painting is embellished with casts, glitter, etc. It sounds very routinized, but there’s actually a lot of improvisation taking place within the described process.

TL: En 2019, durante mi residencia en Skowhegan (Maine), estaba intentando pintar la puerta mosquitera de mi estudio en el granero. Pensé: «Tiene que haber una manera mejor de representar esta mosquitera de forma realista que no se pintando cada minúscula línea de la cuadrícula». Así que tomé mi regla y una cuchilla de papel, y comencé a rasparla directamente sobre la pintura de la puerta que estaba detrás de la mosquitera. Descubrí que podía usar la pintura, o la falta de pintura, para representar algo de manera extremadamente convincente, a la vez que creaba la textura física exacta y el comportamiento del objeto que estaba representando en la realidad. Esto me abrió una puerta (¡juego de palabras!) para experimentar y pensar la pintura y el trampantojo como género de formas que nunca antes había contemplado.

Paso a paso: primero, las imágenes se pintan directamente sobre el lienzo con pinceles. Luego, se hace una cuadrícula sobre la superficie con surcos con cuchilla y regla, y se sella con barniz brillante. Después, para simular el bordado, pinto los hilos con la abertura de la punta de una bolsa de sándwich. Finalmente, la pintura se adorna con moldes, purpurina, etc. Suena muy rutinario, pero en realidad hay mucha improvisación dentro de este proceso.

Talia Levitt, “Vacíe mi joyero de la infancia para ella y encontré mi corazón”, 2025. Acrílico sobre lienzo, 50,8 x 40,6 x 3,0 cm (20,0 x 16,0 x 1,2 in).

OM: Las narrativas parecen ser centrales en tu obra; se presentan como memorias íntimas pero poseen un alcance universal. ¿De qué manera crees que tu trabajo revitaliza la pintura narrativa, un género que el modernismo tendió a relegar, particularmente frente al clima político y social contemporáneo?

TL: I need to organize my response by narrative and use of paint. Narratively, I don’t think my experiences are unique, so hopefully, if I bring as much generosity and thoughtfulness to my work as possible, viewers may be able to connect with it. Perhaps this perspective reinvigorates narrative painting, or maybe it has been a strategy adopted by painters in some regard, with every progressive generation?

Materially, I am interested in using the properties of paint to disrupt direct interpretations. To force the viewer to ask themselves, is this honest or what is honest, is this real or what is real, what am I looking at, and how do I look at it? These questions are contemporary. While not necessarily political or social, they do explore themes that I know are both pertinent and universal.

TL: Debo estructurar mi respuesta por narrativa y trabajo con la pintura. En términos narrativos, no creo que mis experiencias sean únicas; por eso, si logro volcar en mi trabajo la mayor generosidad y consideración posible, tal vez los espectadores puedan sentirse identificados. Quizá esta perspectiva contribuya a revitalizar la pintura narrativa, o quizás sea una estrategia que los pintores han venido adoptando, en mayor o menor medida, generación tras generación.

En cuanto a lo material, me interesa usar las propiedades de la pintura para interrumpir las interpretaciones directas. Para hacer que el espectador se pregunte: ¿esto es honesto o qué es la honestidad? ¿Esto es real o qué es lo real? ¿Qué estoy viendo y cómo lo estoy viendo? Estas preguntas son contemporáneas. Aunque no sean necesariamente políticas o sociales, exploran temas que sé que son tanto pertinentes como universales.

Talia Levitt Talia y su hija comparten un momento de juego. Un vistazo a la vida que nutre sus pinturas tiernas y complejas en el universo de “24/7”. Foto cortesía de la artista.

OM: Por lo que decías, tus obras invitan a una observación cercana: el detalle artesanal remite a tradiciones textiles, pero la imagen resuena de inmediato. ¿Cómo piensas la conexión con precedentes históricos del arte, como los movimientos feministas de patrón y decoración, la naturaleza muerta neerlandesa o incluso las tradiciones populares?

TL: I definitely think about the accessibility of these traditions as a history to agitate in terms of craft’s relationship to Art History (capital A) and gender. This is an interest and motive that pairs conveniently with my fixation on and fascination with pattern and labor. I’ve always been attracted to craft, whether it be mosaic, stained glass, or embroidery, because of the extraordinary time involved in making the work, its beauty, history, and applications.

Learning about how mosaics are made, for instance, and traveling to see ancient examples of the craft employed in situ has motivated my interest in learning to mimic the craft with paint. Hopefully, this will continue to develop.

TL: Definitivamente, pienso en estas tradiciones como una historia que puede y debe cuestionarse en términos de la relación entre el oficio, la Historia del Arte (con mayúscula) y el género. Este interés y esta motivación se articulan de manera natural con mi fascinación por los patrones y por el trabajo manual. Siempre me he sentido atraída por la artesanía, ya sea en mosaico, vitrales o bordado, por el tiempo extraordinario que implica crear la obra, su belleza, su historia y sus aplicaciones.

Aprender cómo se hacen los mosaicos, por ejemplo, y viajar para ver ejemplos antiguos de este oficio en su contexto original ha alimentado mi interés por aprender a imitar esa técnica con pintura. Espero poder seguir desarrollando esta línea de trabajo.

Talia Levitt, «Vacié mi joyero de la infancia para ella y encontré mi corazón», 2025. Acrílico sobre lienzo, 50,8 × 40,6 × 3,0 cm (20,0 × 16,0 × 1,2 in). Foto cortesía de la artista.

OM: Como artista y madre, ¿cómo navegas las realidades cotidianas del cuidado junto con el trabajo en el estudio? ¿Ves la maternidad como una fuente de tensión, de inspiración… o de ambas cosas?

TL: It has been a real blessing, but also quite challenging, balancing motherhood and painting.

My daughter has been an inspiration to my work in innumerable ways. She is my teacher, showing me how to see and think in a different way. I do feel a lot of guilt being away from her to paint, and that’s been tricky to navigate. I’ve often picked her up from daycare early because of this, and end up painting at night. She’s always at the forefront of my mind. Perhaps this will change over time as she ages. What I can say, though, is that while my production has admittedly decreased a bit, I think my most recent body of work, created for Victoria Miro Projects after her birth, is my strongest to date.

TL: Ha sido una verdadera bendición, aunque también bastante complicado, equilibrar la maternidad con la pintura.

Mi hija ha sido una fuente de inspiración para mi trabajo de innumerables maneras. Es mi maestra: me muestra cómo ver y pensar de otra forma. También siento mucha culpa cuando me alejo de ella para pintar, y eso ha sido difícil de manejar. Muchas veces la he retirado temprano de la guardería por esa culpa, y termino pintando de noche. Ella siempre está en primer plano en mi mente. Quizás esto cambie con el tiempo, a medida que crezca. Lo que sí puedo decir es que, aunque mi producción ha disminuido un poco, creo que mi cuerpo de obra más reciente, el que hice para Victoria Miro Projects después de haber dado a luz, es el más sólido que he creado hasta ahora.

Talia Levitt, “Todo a la vez”, 2025. Acrílico sobre lienzo, 50,8 × 40,6 × 3,0 cm (20,0 × 16,0 × 1,2 in). Foto cortesía de la artista.

OM: Tu frase “Vivir todo a la vez” captura la intensidad personal y el caos contemporáneo. De cara al futuro, ¿imaginas seguir trabajando con motivos de tono íntimo, o avanzar hacia alegorías sociales más amplias?

TL: I love this question because it captures what's happening in the studio now — both! I'm best able to explore allegory through personal experience. ‘All at once’ actually came to me as I was trying to capture the democratic surface quality of my work, with the tirelessness of balancing home and studio —both themes in my recent show, ‘24/7.’

TL: Me encanta esta pregunta porque refleja exactamente lo que está pasando ahora en el estudio: ¡ambas! Puedo explorar la alegoría de la mejor manera a través de la experiencia personal. “Todo a la vez” surgió, en realidad, mientras intentaba captar la cualidad igualitaria de la superficie de mi obra y el ritmo incansable de equilibrar la casa y el estudio, dos temas presentes en mi muestra reciente, “24/7”.