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Historia, paisaje y cuerpo: en conversación con el artista pakistaní Ali Kazim

Ali Kazim, Shah-Savar (El Buen Jinete). Pigmento en papel wasli de 72 cm x 108 cm.

El prominente artista pakistaní Ali Kazim está actualmente enfocado en su siguiente exhibición, programada para 2021 en el museo Ashmolean de Oxford en Reino Unido, y comenta no haber sentido cambios significativos en su trabajo desde el inicio de la pandemia por COVID-19. Sin embargo, reconoce que el mundo del arte se verá afectado severamente mientras las economías luchan por sobrevivir o colapsan a consecuencia de este virus que sigue afectando al mundo en varios aspectos de la vida.

Kazim, de 46 años, nació y se crió en Pakistán. Se graduó en la licenciatura de Bellas Artes del Colegio Nacional de las Artes en Lahore, Pakistán (2002) y, luego obtuvo su maestría en Bellas Artes del Colegio Slade de Bellas Artes en Londres, Reino Unido (2011). Ahora vive y trabaja como artista multidisciplinario en Lahore, donde también es asistente de cátedra en el Colegio Nacional de las Artes.

Aunque Kazim ha trabajado con varios géneros y técnicas, se ha destacado por sus retratos, en los que hace representaciones con personas reales en escenarios surrealistas con poderosos fondos coloridos .

El trabajo de Kazim se ha expuesto en las ferias y exhibiciones de mayor renombre alrededor del mundo, como la feria de arte Frieze de Nueva York en 2019. Sus obras también fueron coleccionadas por el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo de Asia Pacífico, el Museo Británico, la Galería de Arte de Queensland en Australia, entre otros.

En entrevista con Global Voices, Ali Kazim habla sobre su fascinación por el cuerpo humano, su inspiración por los paisajes, su obra actual, y todo lo que deberíamos saber sobre el arte en Pakistán. Aquí extractos de la entrevista:

He notado que tienes cierta fascinación por el cuerpo humano desde que comenzaste a dibujar la figura humana en 2002. ¿Cómo ha influido esto sobre lo que significa el arte para ti?

I think the human body is such a fascinating form. It is complex both in its physicality and as a thematic concern. The body, which is core to performing everyday functions, keeps doing its tasks even most of the time without our conscious knowledge, while it goes through various emotional and spiritual stresses. The figurative works I’ve produced perhaps are glimpses of those moments it goes through.

Ali Kazim: Creo que el cuerpo humano tiene una forma fascinante, pues es complejo tanto en su forma física como en temática. El cuerpo, que es el núcleo de todas las funciones que llevamos a cabo, sigue realizando sus tareas, la mayor parte del tiempo sin nuestro conocimiento consciente, mientras pasamos por varios trances emocionales y espirituales. Los trabajos figurativos que hago apenas dejan entrever todos esos momentos por los que pasamos.

Sin título (series de ruinas). Pigmentos acuarela en papel de 206cm x 460cm, 2018.

Ali Kazim, Sin título (serie de ruinas). Pigmentos acuarela en papel de 206 cm x 460 cm, 2018.

¿Existe alguna relación entre tu trabajo sobre la historia del paisaje y el cuerpo humano en cuanto a la técnica que usas (pintura o dibujo) y el significado de tu obra?

I wanted to make some portraits or images based on human figures. I wanted to start with my own explanations, but at that point I didn’t really know where to start until I came across a replica of the Priest King (a small, white, lo- fired steatite statue from the Indus Valley civilization) at Lahore museum.

That is probably the earliest example of a portrait that has survived in this part of the world. It gave me a reason to make sketches of it and then a portrait of the Priest King. I developed a new body of work from there. I wanted to create tales by placing one or two elements next to the portraits, whether it was a prayer cap, a parrot, or a shaving razor.

I fell in love with the watercolor wash technique. I was gradually discovering the possibilities of constructing the images by adding thin layers of colored washes, removing extra pigment from the surface and rendering it with tiny brushes. I guess in that way the formal aspects of the work became important for me.

In early 2013 I started visiting the excavated Harrapan sites near my hometown. The Ruins series landscapes are based on the mounds of the Indus Valley civilization. I think they are in a way collective portraits of the people who may have lived there. I was more interested in these sorts of historical connections.

AK: Quería realizar algunos retratos o imágenes que se basaran en la figura humana. Quería empezar con mis propias explicaciones, pero en realidad, ni siquiera sabía por dónde empezar hasta que encontré una réplica de la obra de El Rey Sacerdote (pequeña estatua blanca tallada en esteatita de la cultura del Valle del Indo) en el museo de Lahore.

Probablemente es uno de los primeros ejemplos de un retrato, y que ha perdurado en este lado del mundo. Esto me motivó para empezar a trazar bosquejos y posteriormente hacer el retrato del Rey Sacerdote. Así fue como desarrollé una nueva línea de trabajo: mi intención era crear narrativas a través de uno o dos elementos plasmados a lado de los retratos, como un gorro de oración, un perico o una rasuradora.

Me encantó la técnica del lavado de acuarela, pues fui descubriendo, poco a poco, todas las posibilidades en que se puede construir las imágenes al agregar capas finas de color, retirar pigmento sobrante de la superficie, así como su representación con pinceladas pequeñas. Creo que así fue cómo los aspectos formales de mi trabajo se convirtieron en algo importante para mí.

A principios de 2013 comencé a ir al sitio de las excavaciones de Harappa, que están cerca de mi ciudad natal. Es más, la serie de Las Ruinas está inspirada en los montículos de la civilización del Valle del Indo. Creo que de alguna manera son retratos colectivos de lpueblos que tal vez vivieron allí. Me interesaba más en ese tipo de conexiones históricas.

Ali Kazim, Topi Walah II. Pigmento y grabado en papel Wasli de 50cm x 75cm.

Has estado muy activo a nivel internacional: has exhibido tu obra en las ciudades más importantes del mundo; incluso, el Museo Metropolitano adquirió tu obra. ¿Cómo recibió tu obra la comunidad de las Artes en Lahore y Pakistán?

AK: It’s such an honor that some prestigious institutions around the world have acquired my work over a period of time. I’ve been actively exhibiting in Pakistan since the beginning of my career. I was invited to make a large human hair sculpture/drawing for the first edition of the Karachi Biennale in 2017.

The project was appreciated well; I received the jury’s prize at the very first biennale of Pakistan. Then the next year for the inaugural edition of the Lahore Biennale I made a large installation called “Untitled (Ruins of the lovers temple)” in a public garden with five thousand life-size terracotta hearts.

Towards the end of the biennale, people were allowed to pluck hearts from the walls of the ruins. I later traced this and was surprised to see how people showed so much care for the fragile terracotta hearts they picked up from the site or gifted it to their loved ones. The project is living its new life.

My recent large-scale watercolor drawing “The Conference of the Birds” was exhibited last year in the Karachi Biennale and this year I did two projects for the Lahore Biennale, including a large installation of 3,000 unbaked clay birds at an abandoned brick factory. The installation lasted until the rain fell. The process of the clay birds turning to earth was very beautiful and poetic.

AK: Para mí ha sido un gran honor que algunas de las instituciones más prestigiadas del mundo hayan adquirido mi obra por algún tiempo. He estado exhibiendo mi obra en Pakistán de manera continua desde que empecé mi carrera. Además, me invitaron a crear una escultura/dibujo de un cabello humano gigante para la primera edición de la Bienal de Karachi 2017.

El proyecto tuvo buena recepción. El jurado me otorgó el premio en la primera bienal de Pakistán. Al año siguiente, para la edición inaugural de la Bienal de Lahore, exhibí una instalación artística grande que llamé “Sin título (Las ruinas del templo de los amantes)”. Estaba hecha con 5000 corazones de terracota, en tamaño real, y la exhibí en un parque público.

Ya casi para el cierre de la bienal, dejaron que las personas arrancaran los corazones de las paredes de las ruinas. Tiempo después, comencé a rastrear este acontecimiento y me quedé sorprendido de ver cómo las personas cuidaban con tanto ahínco estos frágiles corazones de terracota o los regalaban a sus seres amados. Ahora el proyecto está viviendo una nueva vida.

Mi trabajo más reciente fue una pintura en acuarela a gran escala llamada “La asamblea de las aves”. Se exhibió en la Bienal de Karachi de 2019. Este año también hice dos proyectos con la Bienal de Lahore: una gran muestra de 3000 aves de barro sin horno en una fábrica abandonada construida con ladrillo. La obra duró hasta que comenzó la temporada de lluvias. El proceso de ver cómo las aves de barro se hacían lodo fue hermoso y poético.

¿Qué ofrece el arte en Pakistán que el mundo entero debería saber y buscar?

Apart from contemporary art, the region has more to offer. There are fascinating cave engravings from the Paleolithic age in the north of Pakistan. The magical terracotta artifacts from the Indus Valley Civilization are amazing. The Gandhara sculptures, which truly are remarkable in their appearance. It’s hard to take your eyes off the Fasting Buddha at Lahore Museum. These Gandharan sculptures in many ways are the first examples of the earliest form of globalization.

It is fascinating to see how a new genre of sculpture developed when the Indo-Greek styles emerged. Then the Mughal miniature paintings are a visual treat. The two main cities, Lahore and Karachi, have successfully held two editions of the biennales each year since 2017. That has started a new era, with local people getting a chance to see some amazing works from Pakistani and international artists. This year the Lahore Literary Festival’s dates overlapped with the Lahore Biennale towards the closing week.

AK: Además del arte contemporáneo, la región tiene mucho que ofrecer. Por ejemplo, hay unos grabados en cuevas al norte de Pakistán que datan del Paleolítico. Los maravillosos artefactos de terracota de la Civilización del Valle del Indo son espectaculares. También están las esculturas de Gandhara, cuya apariencia es realmente exquisita. La verdad es que no puedes dejar de ver El Buda Ayunando, que está en el Museo de Lahore. Estas esculturas de Gandhara son, de alguna manera, los primeros ejemplos de las primeras formas de globalización.

Es fascinante ver cómo un nuevo género se desarrolló cuando emergieron los estilos indogriegos, sin mencionar que las pinturas miniatura mogol son un verdadero deleite a la vista. Las dos ciudades principales, Lahore y Karachi, han sido sedes exitosas de las dos ediciones de bienales cada año desde 2017. Esto significa el comienzo de una nueva era, en donde los lugareños tienen la oportunidad de ver las obras más maravillosas tanto de artistas pakistaníes como de artistas internacionales. En 2020, las fechas del Festival Literario de Lahore coincidieron hacia la semana de cierre con la Bienal de Lahore.

Ali Kazim, Sin título. Pigmento acuarela sobre papel de 30cm x 35cm, 2018.

¿Qué artista o artistas dirías que han influído en tu obra?

AK: There are many artists I admire very much. I am completely in love with Doris Salcedo, Kiki Smith, Louise Bourgeois, Cornelia Parker, Robert Gobber, and Vija Celmins’ work. I have just realized that most of my favorite artists are female. Their work is much informed, emotionally charged and very intelligently made with loads of patience. I think everything is there. They have produced immaculate works over the period of time.
My works on paper technique owe much to the Bengal School’s watercolorists. I’ve learned a lot by observing their paintings that are in public collections in Lahore, and have also seen some in Delhi.

AK: Hay muchos artistas a quienes admiro mucho. Por ejemplo, me encanta la obra de Doris Salcedo, Kiki Smith, Louise Bourgeois, Cornelia Parker, Robert Gobber y Vija Celmins. Me doy cuenta de que la mayoría de mis artistas favoritos son mujeres. Su trabajo está muy bien informado, cargados de emoción y hechos de manera muy inteligente y con gran paciencia. Creo que lo tienen todo, pues a medida que pasa el tiempo han producido obras perfectas.
Mi obra con técnica de papel se la debo, en gran parte, a la técnica de acuarela de la Escuela de Bengala. Aprendí mucho observando las obras, que ya son colecciones públicas en Lahore. También he visto algunas en Delhi.

La escuelas de arte no crean/producen artistas, pero si eso fuera cierto, ¿cuál es la expectativa real que se tiene de estas instituciones en cuanto a los procesos artísticos de cada persona?

AK: I think art schools provide an environment where one tests ideas and talks about them with the fellow striving young artists. Some of them will continue studio practice; others will advance in related fields such as art writing, curation, galleries, art fabrication etc. They also can create their own circle of creative people while going to the school. Schools offer graduates the ability to showcase their best to the world and take chances. They get connected with the art world. These are important steps to practically enter the art world.

AK: Creo que las escuelas de arte brindan un lugar en el que se pueden probar ideas y en el que se puede hablar al respecto con otros artistas aspirantes. Algunos seguirán sus prácticas en estudio; otros, se irán a otros rubros, como la escritura, la curación de arte, las galerías o la producción artística. Las escuelas ofrecen a sus graduados la posibilidad de exhibir sus mejores obras al mundo y de ser arriesgados. Los conecta al mundo del arte. Estos pasos son muy importantes para poder entrar a este mundo.

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